Mejor respuesta
Honestamente, el over the shoulder se usa a menudo como una opción casi predeterminada o «fácil» cuando estás presionado por el tiempo. Lo encontrarás mucho en los programas de televisión por esta razón, es rápido y barato.
El director de fotografía Gordon Willis tiene un nombre para este estilo de dirección que él denomina «dirección de camión volquete», esto significa efectivamente filmar una cobertura estándar y luego dejar que el editor modele la película. Pero hay muchas otras opciones.
Si se usa OTS sin pensarlo, puede carecer de impacto, si se usa con , se cree que puede tener mucho impacto.
Al igual que con cualquier técnica cinematográfica, su «significado» o «impacto» es realmente específico del contexto y es difícil dar una regla general.
Es mejor no pensar en términos de OTS vs not, estas son solo dos de las muchas opciones de encuadre posibles. tinta en términos de «contenido primero».
Un ejemplo de esto sería que tiene una toma de alguien que se cierne aterrorizado sobre otra persona, puede incluir una parte del hombro de la otra persona en esta toma para transmitir escala y aumentar la sensación de amenaza.
Aquí hay un propósito claro para incluir la parte de la otra persona «s hombro.
Esto podría usarse en combinación con otra toma del punto de vista de la víctima para poner a la audiencia «en su lugar», haciendo que la audiencia se sienta como si estuviera siendo atacada.
Otro ejemplo sería variar las cosas de una persona a otra durante una conversación. Digamos que una de las personas se está frustrando con la otra, podría dispararle a la persona tranquila y serena sin ningún (o solo un poco) hombro en su tiro. Luego, en el plano de la otra persona incluya mucho hombro para que se sienta encerrado o bajo presión.
En esta toma, Pyle es empujado hacia el lado derecho del encuadre, lo que le da poco espacio para respirar. Hartman llena el resto de la toma. Esto hace que Pyle parezca estar en el lugar.
Es posible que desee enfatizar una falta de conexión entre dos personas y no incluir ningún hombro en ninguna de las tomas, mientras usa encuadre incómodo.
Si Mire películas de muchos cineastas, casi nunca aparece por encima del hombro. Hay una gran cantidad de tomas y escenarios más interesantes posibles.
De hecho, diría que OTS solo se ha convertido en predeterminado debido a la televisión.
Por un lado, no es realista tener dos personas de pie una frente a la otra conversando, muy rara vez la vida se detiene por mucho tiempo. gh que la gente puede simplemente ponerse de pie para charlar.
Una persona puede estar de espaldas a la otra, puede estar parados en ángulos de 90 grados entre sí o, por supuesto, moverse y continuar con sus tareas diarias. negocios.
El lenguaje corporal de las personas y el hecho de que elijan o no enfrentarse entre sí en realidad revela mucho sobre su personalidad y sentimientos. Es por eso que, por defecto, estar de pie uno frente al otro es solo … pantalones.
Además, incluso en una situación en la que dos personas están sentadas o de pie una frente a la otra, hay una gran cantidad de formas posibles de cubrirse esa escena, que le da un significado diferente según el ángulo y el encuadre.
Podrías tener una sola toma maestra.
Varios ángulos diferentes.
Los ejemplos son del programa de televisión británico Luther, que incluía un encuadre refrescante y único para una serie de televisión.
Para resumir, el significado realmente es específico del contexto, podría incluir un hombro en una toma para sugerir amor entre dos personas, o podría hacer exactamente lo contrario y usar para sugerir tensión negativa .
Tienes que considerar las cosas paso a paso y, por supuesto, considerar otras más interesantes. ng formas de escenificar y cubrir escenas.
Respuesta
Hay un par de grandes razones para que esto ocurra;
La primera que me viene a la mente es la familiaridad de la toma. En los primeros días del cine, las escenas solían filmarse como si fueras un miembro de la audiencia observando una producción teatral que te permite observar la escena y la acción dentro de la escena como quieras. A medida que los cineastas pioneros empezaron a experimentar con técnicas de colocación de cámaras, edición y narración de historias, se le dijo (y se le dijo) al público que «esto es lo que debería estar mirando» y empezó a entender estos conceptos como el «lenguaje del cine».La regla de Hitchcock es otro método utilizado para ayudar a contar su historia y es que «el tamaño de cualquier objeto en su marco debe ser proporcional a su importancia para la historia en ese momento».
A lo largo de los años, la toma por encima del hombro (OTS) parece ser la toma «estándar» para las escenas de diálogo y el público está familiarizado con esta configuración, por lo que no debería » t resta valor al diálogo dentro de la escena.
El segundo punto es que esta técnica es una de muchas técnicas para impulsar la historia dentro de la escena. Una toma OTS se enfoca completamente en los dos actores dentro la escena, lo que significa que desde el punto de vista de la narración de una historia, merecen toda la atención. El ángulo de la toma generalmente está diseñado para estar muy cerca de la línea de los ojos de los actores, por lo que significa que estás viendo la escena desarrollarse desde un punto de vista subjetivo: eres parte de la escena y estás cerca de los actores, estás «al tanto».
Un punto objetivo de v La vista puede ser una toma de dos de los actores conversando dentro de su entorno (muy similar a nuestro ejemplo de cine anterior) que le da la oportunidad de ver qué más está sucediendo con la escena, tal vez no se nos permite entrar a lo que están hablando. , tal vez estén estancados y nadie los esté ayudando a superar su problema, así que no podemos acercarnos a nadie y sentir esa emoción. Otra técnica «típica» es establecer su escena con una toma amplia y luego, a medida que la escena se vuelve más intensa, usted se acerca más y más como miembro de la audiencia a lo que es importante en la escena.
En resumen, esto La técnica es una de las muchas técnicas disponibles para usted como cineasta y realmente depende de lo que está tratando de contar dentro de su escena y de cómo está tratando de decirlo. Quizás piense en lo que están haciendo sus personajes, hacia dónde van y cómo se sienten y luego aplique diferentes técnicas sutilmente para ayudar a sugerir y llamar la atención (o tal vez no) a las cosas que se dicen y no se dicen dentro de la escena. Es algo que, como director, puedes usar para contar tu historia de manera magistral.
Espero que esto te ayude.