Beste antwoord
Eerlijk gezegd wordt over de schouder vaak gebruikt als bijna een standaard of “gemakkelijke” optie wanneer je tijd nodig hebt. Je zult het daarom vaak in tv-programmas vinden, het is snel en goedkoop.
DP Gordon Willis heeft een naam voor deze stijl van regisseren, die hij “dumptruck regisseren” noemt. Dit betekent in feite het opnemen van standaarddekking en vervolgens de editor de film laten maken. Maar er zijn veel andere opties.
Als OTS wordt gebruikt zonder na te denken, kan het geen impact hebben. Als het wordt gebruikt met dacht dat het veel impact kan hebben.
Zoals bij elke filmtechniek, is de “betekenis” of “impact” echt contextspecifiek en is het moeilijk om een algemene regel te geven.
Het is het beste om er niet in termen van te denken van OTS versus niet, dit zijn slechts twee van de vele mogelijke framing-opties inkt in termen van inhoud eerst.
Een voorbeeld hiervan is dat je een foto hebt van iemand die angstaanjagend boven een andere persoon opdoemt, je zou een deel van de schouder van de ander in deze foto kunnen opnemen om schaal over te brengen en het gevoel van bedreiging te vergroten.
Hier is er een duidelijk doel om het deel van de andere persoon op te nemen “s schouder.
Dit kan worden gebruikt in combinatie met een ander shot uit de POV van het slachtoffer om het publiek “in hun schoenen” te plaatsen, waardoor het publiek het gevoel krijgt dat ze worden aangevallen.
Een ander voorbeeld is het variëren van dingen van persoon tot persoon tijdens een gesprek. Stel dat een van de mensen gefrustreerd raakt door de ander, dan zou je de rustige en beheerste persoon kunnen neerschieten zonder enige (of slechts een kleine) schouder in hun schot. Voeg vervolgens in het schot van de andere persoon veel schouder toe om ervoor te zorgen dat deze zich ingesloten of onder druk voelt.
In dit shot wordt Pyle naar de rechterkant van het frame geduwd, waardoor hij weinig ademruimte krijgt. Hartman vult de rest van het shot. Hierdoor lijkt Pyle ter plaatse te zijn.
Misschien wilt u het gebrek aan verbinding tussen twee mensen benadrukken en geen schouder opnemen in een van beide slagen, terwijl u onhandige framing.
Als u kijk naar films van veel filmmakers, over de schouder komt bijna nooit voor. Er zijn een hele reeks interessantere shots en ensceneringen mogelijk.
Eigenlijk zou ik zeggen dat OTS alleen standaard is geworden vanwege tv.
Om te beginnen is het nogal onrealistisch om twee mensen tegenover elkaar te hebben staan te praten, het leven staat zeer zelden lang stil. gh dat mensen gewoon kunnen staan om te chatten.
De ene persoon kan volledig van de andere af staan, ze kunnen in een hoek van 90 graden ten opzichte van elkaar staan, of ze bewegen zich natuurlijk rond en gaan door met hun dagelijkse zaken.
De lichaamstaal van mensen en of ze ervoor kiezen om elkaar onder ogen te zien, zegt veel over hun persoonlijkheid en gevoelens. Daarom is het in gebreke blijven dat ze tegenover elkaar staan gewoon … broek.
Ook in een situatie waarin twee mensen tegenover elkaar zitten of stonden, zijn er tal van mogelijke manieren om te bedekken die scène, die afhankelijk van de hoek en de kadrering een andere betekenis geven.
Je zou een enkele masterfoto kunnen maken.
Verschillende invalshoeken.
Voorbeelden zijn van het Britse tv-programma Luther, met verfrissend unieke framing voor een tv-serie.
Om samen te vatten dat de betekenis echt contextspecifiek is, kunt u een schouder in een shot opnemen om liefde tussen twee mensen te suggereren, of u kunt precies het tegenovergestelde doen en gebruiken het om negatieve spanning te suggereren.
Je moet de dingen van shot tot shot bekijken en natuurlijk andere, meer interesses overwegen ng manieren om scènes te ensceneren en te bedekken.
Antwoord
Er zijn een paar belangrijke redenen hiervoor;
De eerste die in me opkomt is de bekendheid van het schot. In de begintijd van de cinema werden scènes gefilmd alsof je een toeschouwer bent die een theaterproductie observeert, waardoor je de scène en de actie in de scène kunt observeren zoals je dat wilt. Toen pionierende filmmakers begonnen te experimenteren met cameraplaatsing, montage en verteltechnieken, werd (en wordt) het publiek verteld dat “dit is waar je naar zou moeten kijken” en deze concepten begonnen te begrijpen als de “taal van de film”.De Hitchcock-regel is een andere methode die wordt gebruikt om je verhaal te helpen vertellen, namelijk dat “de grootte van een object in je frame evenredig moet zijn met het belang ervan voor het verhaal op dat moment”.
Door de jaren heen lijkt de over-the-shoulder-opname (OTS) de “standaard” opname te zijn voor dialoogscènes en het publiek is bekend met deze opzet, daarom zou het niet moeten ” het doet afbreuk aan waar de dialoog in de scène over gaat.
Het tweede punt is dat deze techniek een van de vele technieken is om het verhaal in de scène voort te zetten. Een OTS-opname richt zich volledig op de twee actoren binnen de scène, wat betekent dat ze vanuit het oogpunt van het vertellen van verhalen alle aandacht verdienen. De hoek van de opname is doorgaans zo ontworpen dat deze zeer dicht bij de ooglijnen van de acteurs ligt, wat betekent dat u de scène vanuit een subjectief standpunt – u maakt deel uit van de scène en u staat dicht bij de acteurs, u bent “op de hoogte”.
Een objectief punt van v iew is misschien een tweetalige shots van de acteurs die in hun omgeving met elkaar praten (net als ons vroege bioscoopvoorbeeld hierboven), wat je de kans geeft om te zien wat er nog meer gebeurt met de scène, misschien mogen we niet meedoen waar ze het over hebben , misschien zitten ze vast en helpt niemand ze om hun probleem te overwinnen, dus mogen we niet dichtbij iemand komen en die emotie voelen. Een andere “typische” techniek is om je scène vast te stellen met een breed shot en naarmate de scène intenser wordt, kom je als toeschouwer steeds dichter bij wat belangrijk is in de scène.
Kortom, dit techniek is een van de vele technieken die je als filmmaker ter beschikking staan en hangt er echt van af wat je probeert te vertellen in je scène en hoe je het probeert te zeggen. Denk misschien na over wat je personages aan het doen zijn, waar ze heen gaan en hoe ze zich voelen en pas dan subtiel verschillende technieken toe om suggesties te doen en de aandacht (of misschien zelfs niet) te vestigen op dingen die in de scène worden gezegd en niet gezegd. Het is iets dat je als regisseur kunt gebruiken om meesterlijk je verhaal te vertellen.
Ik hoop dat dit helpt.