Beste svaret
Prologen skaper en følelse av forventning hos publikummet. Det gir dem litt informasjon som forteller dem hva de kan forvente, slik at de venter på at disse tingene skal skje. Det er en mulighet for dramatikeren å skape en viss kontekst for stykket, for eksempel å beskrive settingen eller noe som er verdt å vite om karakterene.
Forventning er et kraftig verktøy å bruke. Shakespeare bruker det i Romeo og Juliet for å fortelle publikum hvor handlingen i stykket finner sted. Gitt at publikum hans var i London, ser Verona ut til å være et langt borte og eksotisk sted der folk praktiserer lignende, men forskjellige, skikker.
Han forteller videre publikum at historien er en tragedie. , men de tidlige handlingene i stykket har noen veldig komiske kvaliteter, så publikum blir stående og lurer på når de dårlige tingene skal begynne å skje. Når de gjør det, blir publikum påminnet om at det var blitt advart om hva de skulle forvente.
Å se på noe som ikke har skjedd ennå, får publikum dypere med på å ta hensyn til historien. Advarselen er alltid i bakhodet til profologien om prologen er bekreftet av handlingen.
I dagene med teater uten gardiner og avhengig av naturlig belysning, er prologen et godt middel til å få publikums oppmerksomhet og slå den til ro. Når programlederen snakker til publikum, vil publikum roe seg ned for å høre hva vedkommende sier og som forteller dem at stykket begynner nå, og det er på tide å bli oppmerksom på handlingen på scenen. På Shakespeares tid jobbet leverandørene med huset og solgte mat og drikke, så prologen forteller dem at det er på tide å trekke seg utenfor synet.
Hvis det var dignitarier i publikum, kan de vurdere deres samtaler også viktig å avbryte hvis avbruddet gjøres for direkte mot dem. Veien rundt dette er å informere hele publikum om at stykket er i ferd med å starte, og hvis de ikke vil gå glipp av noe viktig, bør de vurdere å ta hensyn til det nå.
Svar
- Er det? Jeg har aldri skrevet en, selv om jeg har tatt notater om å skrive flere. Kanskje jeg skulle bli opptatt og rapportere tilbake når jeg har noe å si fra min egen erfaring.
- Som en del av hans forberedelse til rollen. av den unge dramatikeren i Deathtrap , skrev Christopher Reeve et eget skuespill som en del av forskningen. Hvis jeg ikke husker riktig, ødela han det etter at filmopptaket ble avsluttet, etter å ha tjent formålet.
- Vanskeligheten med å skrive et teaterstykke er at det nesten bare er avhengig av dialog, og alt av viktig må skje som noe sagt av en person til en annen. Shakespeare var en mester på dette siden han hadde ikke sceneinnstillinger å stole på, og han lot karakterene beskrive alle viktige fakta, og ga dem stor poesi å si på samme tid.
- Playwriting er også et spørsmål om karakterisering. Dialogen som skrives for hver karakter må avvike fra alle de andre karakterene «for å skille forskjellige mennesker på scenen. Jo mer særpreg du gir, jo flere skuespillere vil elske deg og være villige til å markedsføre spillet ditt.
- Naturlighet i dialog er en viktig del av prosessen. Det karakteren sier må være i samsvar med hva en virkelig person av den typen vil si, både i setningsstruktur og ordforråd, samt å matche det emosjonelle øyeblikket når det oppstår. En slik dialog må også lett kunne uttales av menneskelige stemmer og høres forståelig for et publikum på en viss avstand i et teater. Disse elementene er en lært kunst, og de fleste dramatikere må utvikle dette over flere skuespill eller ved å revidere sitt første stykke grundig i repetisjon med skuespillere som kan komme med sine innspill til hva som er lett eller vanskelig med å si disse linjene. Her er det som ga Shakespeare en slik overlegenhet over enhver annen dramatiker i sin tid. omfattende skuespillerfaring midt i et travelt skuespillerkompani, og som et av ensemblet kunne han få umiddelbare og verdifulle tilbakemeldinger uten frykt for represalier. Moderne dramatikere burde være så heldige.