Bedste svar
Først trænes operasangere langsomt. Du tager en lektion om ugen. De normale mennesker får absolut alt forkert, og de “naturlige talenter” får 99\% af alt forkert. Din lærer tilbageholder langt størstedelen af hans / hendes kritik, fordi den store vægt af alt, hvad du laver forkert, ville være nok til at knuse dig (jeg har været både lærer og elev på denne …). Selvom opera ikke historisk er for kompliceret til at forstå videnskabeligt, er den mest vellykket undervist i billedsprog og pseudovidenskab. Der er nogle gode grunde til dette, men det er normalt her, de fleste starter. De lærer en masse ting, der ikke er sandt, men som er nyttige. I det første år eller deromkring har eleverne svært ved at sætte disse isolerede fakta sammen (f.eks. “Trække vejret ind i ryggen”, men også “fjerne al spænding) , “der synes at være i modstrid med hinanden,” fordi der naturligvis er “en muskuløs handling, der pr. definition er en spænding). Da jeg var i denne fase, husker jeg, at min lærer konstant blev overrasket over ting, som jeg ikke vidste, som han tog for givet.
På et eller andet tidspunkt begynder du at finde ud af nogle af disse ting og måske opdage nogle seje ting, din stemme kan gøre, at andre mennesker ikke kan (synge højt eller lav eller høj eller hurtig osv.). Og omkring dette tidspunkt beslutter de fleste operasangere normalt at gå i vinterhaven for kun at studere opera. Der er mange trin til dette. For grungy detaljer, antager jeg at se David Leighs svar på Hvad skal der til for at være en førsteklasses operasanger? Men jeg er ikke sikker på, at det er hvad du beder om.
I skolen mange mennesker begynder at lære nogle af detaljerne, teorien, og de udvikler deres læringsstile omkring sang. Jeg var altid matematik-y, før jeg blev sanger, og graviterede mod stemmevidenskab osv., Men mange sangere kommer til vinterhaven og bliver meget succesrige med en bestemt type billedsprog eller kinæstetisk oplevelse. Uanset hvad sætter dette meget i stand til, hvordan du fortsætter med at lære. Dette er også det niveau, hvorpå sangere generelt begynder at blive coachet, ikke kun undervist (en coaching er som en lektion, men med absolut ingen vokal teknik , bare musikalsk vejledning, hvis det giver mening).
Efter nogle års skole (ofte et par forskellige skoler) gør de mest succesrige sangere betydeligt mere ting rigtigt end forkert (forhåbentlig), og jobbet ændres på en eller anden måde. Hvis studiet af sang i starten handler om at skabe og opdage, hvad der fungerer, handler det på dette tidspunkt om detaljer, kunstneri og præcision. Sagt på en anden måde , lektioner på det laveste niveau handler om toneproduktion: at gøre det mest professionelt levedygtige lyd. Lektioner på højeste niveau handler om kunstproduktion: at gøre det mest universelt overbevisende musik. I disse senere faser kan en konservatoriums stemmeundersøgelse ligne en konservatorieviolinlektion (og når jeg “har undervist i instrumentalister, har de konsekvent kommenteret dette). Der er også en vis konvergens mellem det, der foregår i en coaching og en stemmelektion, til det punkt, hvor kunstnerne på højeste niveau ofte bare har en træner eller lærer, de går til, for at holde deres sang i form snarere end at adskille opgaver.
På alle niveauer har en standardundervisning i Amerika dog altid den samme struktur: start med en opvarmning, rette fejl i lydproduktion, frasering osv. Syng derefter repertoiret, stop når læreren tænker det er nyttigt. På en sindsløvende, frustrerende og underligt overvældende måde er træning af en operasanger som det længste gætte-og-tjek-problem i verden med specialuddannede “gætter” (dvs. “lærere”), der stadig får det forkert 99 \% af tiden.
Svar
Jeg begyndte at træne klassisk på Pasadena Conservatory of Music, da jeg var omkring 12. I de syv år siden er min teknik forbedret enormt, alligevel den træning, jeg modtager, er forblevet ret konsekvent. Generelt involverer klassisk træning intens visualisering. At forestille sig den lyd, du producerer som en formbar, håndgribelig kraft, er et fantastisk værktøj. Når du kan “se” lyden med dit tankesyn, kan din lærer hjælpe dig med at engagere de korrekte muskler, løsne andre og placere lyden sikkert. At synge er utroligt komplekst, men alligevel kan du ikke se det hårde arbejde, der sker. Det hele er internt.
Dette gør klassisk sang ekstremt vanskelig at undervise, da du ikke nøjagtigt kan vise din studerende, hvad de skal gøre. Du skal starte med en cerebral forståelse af, hvad der skal ske i din krop, før du fysisk kan udrette noget.I modsætning til mine 15 års dansetræning kræver opera lige så meget mental anstrengelse som fysisk. Jeg dansede for at rydde hovedet, men efter en stemmeundervisning havde jeg nogle gange hovedpine af at tænke så forbandet hårdt. Ligesom dans og andre kunstformer synes forbedring af sang klassisk at ske meget, meget langsomt, indtil du en dag har en “Eureka!” øjeblik og noget klikker. Forbedring er slet ikke lineær, men sker i korte udbrud af forståelse og masser af frustration undervejs. Ærligt talt bliver det aldrig lettere. Ligesom at lære noget, jo bedre du bliver, jo mere kompleks er du klar over, at det er. I øjeblikket arbejder jeg på arier fra Manon. Mens jeg synger “Adieu, notre petite table”, anvender jeg stadig de samme teknikker, som jeg lærte, da jeg var 12 år, synger musikalske teaterballader. I dag er jeg nødt til at tænke på 15 andre ting samtidigt, men jeg glemmer aldrig det grundlæggende. At synge er utroligt glædeligt. Giv ikke op og visualiser altid altid !!