최상 답변
처음에는 오페라 가수는 천천히 훈련됩니다. 일주일에 수업을받습니다. 평범한 사람들은 모든 것을 완전히 잘못 받아들이고 있으며 “천연 재능”은 모든 것의 99 \%를 잘못 받고 있습니다. 당신의 선생님은 당신이 잘못하고있는 모든 것의 순전 한 무게가 당신을 무너 뜨리기에 충분할 것이기 때문에 그의 비판의 대부분을 보류하고 있습니다. (저는 이것에 대해 선생님이자 학생이었습니다 …) 역사적으로 오페라는 “과학적으로 이해하기에는 너무 복잡하지는 않지만”이미지와 사이비 과학으로 가장 성공적으로 가르쳤습니다. 이에 대한 몇 가지 좋은 이유가 있지만 일반적으로 대부분의 사람들이 여기에서 시작합니다. 그들은 엄밀히 말하면 사실은 아니지만 도움이되는 많은 것들을 배웁니다. 1 년 정도에 학생들은 이러한 고립 된 사실을 모으는 데 매우 어려움을 겪습니다 (예 : “등에 숨을들이 마시다”뿐만 아니라 “모든 긴장을 제거”). , “는 서로 모순되는 것 같습니다.”분명히 근육 활동이 일어나기 때문입니다. 이것은 정의상 긴장입니다.) 제가이 단계에 있었을 때 선생님이 제가 몰랐던 것에 끊임없이 놀랐던 것을 기억합니다. 그가 당연하게 여겼던 것입니다.
언젠가 당신은 이런 것들을 알아 내기 시작하고 당신의 목소리로 할 수있는 멋진 일들을 발견 할 수 있습니다. 다른 사람들은 할 수없는 (높은 노래를하거나 낮거나 크거나 빠르거나 등). 그리고이 무렵 대부분의 오페라 가수들은 보통 오페라 만 공부하기 위해 음악원에 가기로 결정합니다. 여기에는 많은 단계가 있습니다. 지저분한 세부 사항에 대해서는, 최고의 오페라 가수가 되려면 무엇이 필요합니까?에 대한 David Leigh의 대답을봤을 것 같습니다.하지만 그게 당신이 요청한 것인지 잘 모르겠습니다.
학교에서 많은 사람들이 세부 사항, 이론을 배우기 시작하고 노래에 대한 학습 스타일을 개발합니다. 가수가되기 전에는 항상 수학에 관심이 많았고, 음성 과학 등에 끌 렸지만 많은 가수들이 음악원에 들어가 특정 유형의 이미지 또는 운동 감각적 경험으로 매우 성공했습니다. 어쨌든 이것은 당신이 “계속 배우는 방법”을 많이 설정합니다. 이것은 또한 가수들이 단순히 가르치는 것이 아니라 일반적으로 코치를 받기 시작하는 수준이기도합니다 (코칭은 수업과 같지만 보컬이 전혀 없습니다. 테크닉 , 음악적지도, 그럴 경우).
몇 년의 학교 (종종 몇 개의 다른 학교)를 마친 후 가장 성공적인 가수는 훨씬 더 많은 일을하고 있습니다. 노래에 대한 연구가 처음에 무엇이 효과가 있는지 창조하고 발견하는 것이라면, 지금까지는 디테일, 예술성, 정확성에 관한 것입니다. 달리 말하면 최저 수준의 강의는 톤 제작에 관한 것입니다. 가장 전문적으로 실행 가능한 것 만들기 사운드. 최고 수준의 강의는 예술 제작에 관한 것입니다. 가장 보편적으로 설득력있는 작품 만들기 음악. 이 후반 단계에서 음악원 음성 레슨은 음악원 바이올린 레슨과 비슷할 수 있습니다 (그리고 내가 악기 연주자를 가르쳤을 때 그들은 이에 대해 지속적으로 언급했습니다). 또한 코칭과 음성 레슨에서 진행되는 작업 사이에는 특정 수렴이 있습니다. 최고 수준의 아티스트는 종종 한 명의 코치 나 교사를 두어 노래를 분리하지 않고
하지만 모든 수준에서 미국의 표준 수업은 항상 동일한 구조를 가지고 있습니다. 예열로 시작하고, 사운드 제작 오류를 수정하고, 구문을 수정합니다. 그런 다음 레퍼토리를 부르고, 교사가 생각하면 멈 춥니 다. 유용합니다. 마비되고, 실망스럽고, 이상하게도 매혹적인 방식으로 오페라 가수를 훈련시키는 것은 세계에서 가장 긴 추측과 확인 문제와 같습니다. 특별히 훈련 된 “추측 자”(즉 “교사”)는 여전히 잘못 이해합니다. 99 시간의 \%.
Answer
12 살 때 Pasadena Conservatory of Music에서 클래식 훈련을 시작했습니다. 그 이후 7 년 동안 제 기술은 엄청나게 향상되었습니다. 제가받은 교육은 매우 일관되게 유지되었습니다. 일반적으로 클래식 교육에는 집중적 인 시각화가 포함됩니다. 당신이 생성하는 소리를 가단하고 확실한 힘으로 상상하는 것은 환상적인 도구입니다. 마음의 눈으로 소리를 “볼”수있을 때 교사는 올바른 근육을 사용하고 다른 사람을 풀어주고 소리를 안전하게 배치하도록 안내 할 수 있습니다. 노래는 엄청나게 복잡하지만 실제로 일어나고있는 힘든 작업을 볼 수 없습니다 . 모두 내부입니다.
이로 인해 학생에게 무엇을해야하는지 정확히 표시 할 수 없기 때문에 클래식 노래를 가르치기가 매우 어렵습니다. 신체적으로 무언가를 성취하기 전에 신체에서 무슨 일이 일어나야하는지에 대한 대뇌 적 이해로 시작해야합니다.15 년간의 댄스 훈련과는 대조적으로 오페라는 육체적 인 노력만큼이나 정신적 인 노력을 필요로합니다. 머리를 맑게하기 위해 춤을 추곤했지만, 음성 레슨을 마치고 너무 열심히 생각해서 두통을 앓곤했습니다. 춤과 다른 예술 형식과 마찬가지로, 고전적인 노래의 향상은 언젠가 “유레카!”를 가질 때까지 매우 천천히 일어나는 것 같습니다. 순간과 무언가가 클릭합니다. 개선은 전혀 선형 적이지는 않지만 짧은 시간에 이해의 폭주와 많은 좌절감에서 발생합니다. 솔직히 결코 쉽지 않습니다. 무엇이든 배우는 것과 마찬가지로, 더 잘 얻을수록 더 복잡하다는 것을 깨닫게됩니다. 지금은 Manon에서 아리아를 작업하고 있습니다. “Adieu, notre petite table”을 부르면서도 저는 어렸을 때 배운 것과 동일한 기법을 적용합니다. 12 세, 뮤지컬 극장 발라드를 부른다. 오늘은 다른 15 가지를 동시에 생각해야하는데 기본을 잊지 않습니다. 노래는 정말 기쁘다. 포기하지 말고 항상 시각화하세요 !!