Mejor respuesta
Al principio, los cantantes de ópera se entrenan lentamente. Tomas una lección a la semana. La gente normal está haciendo absolutamente todo mal, y los «talentos naturales» están haciendo el 99\% de todo mal. Tu maestro retiene la gran mayoría de sus críticas porque el peso de todo lo que estás haciendo mal sería suficiente para aplastarte (yo he sido tanto el maestro como el alumno en este caso …). Históricamente, aunque la ópera no es demasiado complicada de entender científicamente, se ha enseñado con más éxito con imágenes y pseudociencia. Hay algunas buenas razones para esto, pero por lo general es aquí donde comienza la mayoría de la gente. Aprenden un montón de cosas que no son estrictamente ciertas, pero que son útiles. En el primer año más o menos, a los estudiantes les cuesta mucho reunir estos hechos aislados (por ejemplo, «respira en tu espalda» pero también «elimina toda tensión , «que parecen contradecirse», porque obviamente «hay» una acción muscular que está teniendo lugar, que por definición es una tensión). Cuando estaba en esta fase, recuerdo que mi maestro se sorprendía constantemente por cosas que no sabía, que él daba por sentado.
En algún momento, empiezas a descubrir algunas de estas cosas y tal vez descubras algunas cosas interesantes que tu voz puede hacer, que otras personas no pueden (cantar alto o bajo o fuerte o rápido, etc.). Y por esta época, la mayoría de los cantantes de ópera suelen optar por ir al conservatorio, para estudiar sólo ópera. Hay muchos pasos para esto. Para más detalles, supongo que vea la respuesta de David Leigh a ¿Qué se necesita para ser un cantante de ópera de primer nivel? Pero no estoy seguro de que eso sea lo que estás preguntando.
En la escuela Mucha gente comienza a aprender algunos de los detalles, la teoría y desarrollan sus estilos de aprendizaje en torno al canto. Siempre fui matemático antes de convertirme en cantante y gravité hacia la ciencia de la voz, etc., pero muchos cantantes llegan al conservatorio y se vuelven muy exitosos con cierto tipo de imágenes o experiencia cinestésica. Independientemente, esto establece mucho de cómo seguirás aprendiendo. Este es también el nivel en el que los cantantes generalmente comienzan a ser entrenados, no solo enseñados (un entrenamiento es como una lección, pero sin ninguna voz técnica , solo orientación musical, si eso tiene sentido).
Después de algunos años de escuela (a menudo en algunas escuelas diferentes), los cantantes más exitosos están haciendo mucho más cosas bien que mal (con suerte), y el trabajo de alguna manera cambia. Si al principio el estudio del canto se trata de crear y descubrir lo que funciona, en este punto se trata de detalle, arte y precisión. Dicho de otra manera , las lecciones en el nivel más bajo son sobre la producción de tonos: hacer lo más profesionalmente viable sonido. Las lecciones al más alto nivel tratan sobre la producción de arte: hacer lo más universalmente atractivo música. En estas últimas fases, una lección de canto de conservatorio puede parecerse a una lección de violín de conservatorio (y cuando he enseñado a instrumentistas, ellos han comentado constantemente sobre esto). También hay una cierta convergencia entre lo que sucede en un coaching y una lección de canto, hasta el punto en que los artistas de más alto nivel a menudo solo tienen un entrenador o maestro al que van, para mantener su canto en forma, en lugar de separar los
Sin embargo, en todos los niveles, una lección estándar en Estados Unidos siempre tiene la misma estructura: comienza con un calentamiento, corrige errores en la producción de sonido, redacción, etc. Luego canta el repertorio, deteniéndote cuando el maestro piensa Es útil. De una manera abrumadora, frustrante y extrañamente encantadora, entrenar a un cantante de ópera es como el problema más largo del mundo de adivinar y verificar, con «adivinadores» especialmente entrenados (es decir, «maestros») que todavía se equivocan 99 \% del tiempo.
Respuesta
Empecé a entrenar clásicamente en el Conservatorio de Música de Pasadena cuando tenía 12 años. En los siete años transcurridos desde entonces, mi técnica ha mejorado enormemente, pero la formación que recibo se ha mantenido bastante constante. Generalmente, el entrenamiento clásico implica una visualización intensa. Visualizar el sonido que produce como una fuerza tangible y maleable es una herramienta fantástica. Cuando puede «ver» el sonido con el ojo de su mente, su maestro puede guiarlo para que active los músculos correctos, afloje los demás y coloque el sonido de manera segura. Cantar es increíblemente complejo, pero no puedes ver el arduo trabajo que se está realizando. Todo es interno.
Esto hace que el canto clásico sea extremadamente difícil de enseñar, ya que no puede mostrar exactamente lo que debe hacer a su alumno. Debe comenzar con una comprensión cerebral de lo que debería estar sucediendo en su cuerpo antes de que pueda lograr algo físicamente.A diferencia de mis 15 años de formación en danza, la ópera requiere tanto esfuerzo mental como físico. Bailaba para aclarar mi mente, pero después de una lección de canto a veces me duele la cabeza por pensar tan condenadamente. Al igual que la danza y otras formas de arte, la mejora en el canto clásico parece suceder muy, muy lentamente hasta que un día tienes un «¡Eureka!» momento y algo hace clic. La mejora no es en absoluto lineal, pero ocurre en breves ráfagas de comprensión y mucha frustración en el camino. Honestamente, nunca se vuelve más fácil. Al igual que aprender cualquier cosa, cuanto mejor te vuelves, más complejo te das cuenta de que es. En este momento, estoy trabajando en arias de Manon. Mientras canto «Adieu, notre petite table», sigo aplicando las mismas técnicas que aprendí cuando era 12 años, cantando baladas de teatro musical. Hoy, tengo que pensar en otras 15 cosas simultáneamente, pero nunca olvido lo básico. Cantar es increíblemente gratificante. ¡No te rindas y siempre, siempre visualiza!