Beste svaret
Først blir sangsang trent sakte. Du tar en leksjon i uken. De normale menneskene får absolutt alt galt, og de «naturlige talentene» får 99\% av alt galt. Læreren din holder tilbake de aller fleste av hans / hennes kritikk fordi den rene vekten av alt du gjør galt ville være nok til å knuse deg (jeg har vært både lærer og elev på denne …). Historisk sett, selv om opera ikke er for komplisert til å forstå vitenskapelig, har den blitt mest vellykket undervist i bilder og pseudovitenskap. Det er noen gode grunner til dette, men vanligvis er det her folk flest begynner. De lærer en rekke ting som ikke er sant, men som er nyttige. I det første året eller så har studentene det veldig vanskelig å sette disse isolerte fakta sammen (f.eks. «Puste inn i ryggen», men også «eliminere all spenning , «som ser ut til å være i strid med hverandre,» fordi det åpenbart er «en muskuløs handling som foregår, som per definisjon er en spenning). Da jeg var i denne fasen, husker jeg at læreren min hele tiden ble overrasket over ting jeg ikke visste, som han tok for gitt.
På et eller annet tidspunkt begynner du å finne ut noen av disse tingene, og kanskje oppdage noen kule ting stemmen din kan gjøre, at andre mennesker ikke kan (synge høyt eller lavt eller høyt eller raskt osv.). Og rundt denne tiden bestemmer de fleste operasangere seg vanligvis for å gå på vinterhage for å studere bare opera. Det er mange trinn for dette. For grungy detaljer, antar jeg at jeg ser David Leighs svar på Hva skal til for å være en førsteklasses operasanger? Men jeg er ikke sikker på at det er det du spør om.
På skolen mange mennesker begynner å lære noen av detaljene, teorien, og de utvikler sine læringsstiler rundt sang. Jeg var alltid matte-y før jeg ble sanger, og graviterte mot stemmevitenskap osv., Men mange sangere kommer til vinterhagen og blir veldig suksessfulle med en viss type bilder eller kinestetisk opplevelse. Uansett setter dette opp mye av hvordan du fortsetter å lære. Dette er også nivået som sangere generelt begynner å bli coachet, ikke bare undervist (en coaching er som en leksjon, men uten absolutt vokal teknikk , bare musikalsk veiledning, hvis det er fornuftig).
Etter noen år på skolen (ofte noen få forskjellige skoler) gjør de mest suksessrike sangerne betydelig mer ting riktig enn galt (forhåpentligvis), og jobben endres på en eller annen måte. Hvis studiet av sang i begynnelsen handler om å skape og oppdage hva som fungerer, handler det på dette tidspunktet om detaljer, kunstneri og presisjon. Sagt på en annen måte , leksjoner på laveste nivå handler om toneproduksjon: å gjøre det mest profesjonelt levedyktige lyd. Leksjoner på høyeste nivå handler om kunstproduksjon: å gjøre det mest universelle overbevisende musikk. I disse senere fasene kan en stemmeundervisning i vinterhage ligne på en fiolinstime i konservatoriet (og når jeg «har undervist i instrumentalister, har de konsekvent kommentert dette). Det er også en viss konvergens mellom det som foregår i en coaching og en stemmeleksjon, til det punktet hvor kunstnerne på høyeste nivå ofte bare har en trener eller lærer de går til, for å holde sangen i form, i stedet for å skille oppgaver.
På alle nivåer har en standard leksjon i Amerika imidlertid alltid den samme strukturen: start med en oppvarming, korrigere feil i lydproduksjon, frasering osv. Så syng repertoar, stopp når læreren tenker det er nyttig. På en sinnsløs, frustrerende og underlig overveldende måte er det å trene en operasanger som det lengste gjett-og-sjekk-problemet i verden, med spesialutdannede «gjetere» (dvs. «lærere») som fremdeles får det galt 99 \% av tiden.
Svar
Jeg begynte å trene klassisk på Pasadena Conservatory of Music da jeg var cirka 12. I løpet av de syv årene siden har teknikken min forbedret seg enormt, men opplæringen jeg får har holdt seg ganske konsistent. Generelt innebærer klassisk trening intens visualisering. Å se for seg lyden du produserer som en formbar, håndgripelig kraft er et fantastisk verktøy. Når du kan «se» lyden med tankene dine, kan læreren din hjelpe deg med å engasjere de riktige musklene, løsne andre og plassere lyden trygt. Å synge er utrolig komplisert, men likevel kan du ikke se det harde arbeidet som skjer. Alt er internt.
Dette gjør klassisk sang ekstremt vanskelig å lære, da du ikke akkurat kan vise eleven din hva du skal gjøre. Du må starte med en cerebral forståelse av hva som skal skje i kroppen din før du fysisk kan utrette noe.I motsetning til mine 15 år med dansetrening krever opera like mye mental anstrengelse som fysisk. Jeg danset for å rydde i hodet, men etter en taleleksjon hadde jeg noen ganger hodepine av å tenke så forbannet hardt. Akkurat som dans og andre kunstformer, synes forbedring i sang klassisk å skje veldig, veldig sakte til du en dag har en «Eureka!» øyeblikk og noe klikker. Forbedring er slett ikke lineær, men skjer i korte utbrudd av forståelse og mye frustrasjon underveis. Ærlig talt blir det aldri enklere. Akkurat som å lære noe, jo bedre du blir, jo mer kompleks skjønner du at det er. For øyeblikket jobber jeg med arier fra Manon. Mens jeg synger «Adieu, notre petite table», bruker jeg fortsatt de samme teknikkene som jeg lærte da jeg var 12 år, synger musikkteaterballader. I dag må jeg tenke på 15 andre ting samtidig, men jeg glemmer aldri det grunnleggende. Å synge er utrolig gledelig. Ikke gi opp og alltid, alltid visualiser !!